Introducción
Ars Electronica es un festival internacional dedicado al arte, la tecnología y la sociedad que se celebra anualmente en Linz, Austria, desde 1979. A lo largo de sus ediciones, ha servido como punto de encuentro para artistas, científicos, tecnólogos y pensadores, explorando las intersecciones y las implicaciones éticas y culturales del mundo digital. Con el tiempo, ha trascendido su formato de festival para convertirse en una de las plataformas más influyentes a nivel mundial, consolidándose como un laboratorio de ideas, un foro de debate y un espacio de experimentación e investigación que desafía constantemente nuestra comprensión del futuro y del papel de la creación digital en un mundo cada vez más mediado por la tecnología.
La edición de 2025, que ha tenido lugar del 3 al 7 de septiembre (ver un breve reel aquí), ha lanzado como tema un provocador «PANIC yes/no», que ha confrontado a los asistentes con la dicotomía inherente a nuestra relación con los avances exponenciales de la actualidad. Con 122.000 visitas y la participación de 1.472 artistas, científicos y activistas de 83 países, el festival ha invitado a reflexionar sobre si la respuesta adecuada a los desafíos que plantean la inteligencia artificial, el colapso climático y la reconfiguración social debe ser el pánico –entendido como una alarma colectiva que impulsa la acción– o, por el contrario, una aceptación serena y un abordaje estratégico. Mediante instalaciones artísticas, ponencias, performances o prototipos tecnológicos, esta edición ha propiciado un diálogo urgente sobre cómo navegar un presente de disrupción con una mirada crítica, buscando nuevos paradigmas más allá de las respuestas emocionales o de la mera resignación.
Parte del equipo de Mosaic fuimos a Linz y hemos reunido las voces de algunos de los creadores españoles más relevantes que han sido protagonistas en esta edición de Ars Electronica. Por ello, y considerando lo apretado de sus agendas, les agradecemos especialmente su generosidad y su respuesta entusiasta a nuestra propuesta. Les hemos preguntado por su participación en este foro y por sus obras destacadas del festival y esto es lo que nos han compartido:
César Escudero
Bio
César Escudero Andaluz es un artista centrado en la cultura digital, la crítica de las interfaces y sus efectos sociales y políticos. La investigación de César aborda cuestiones como la vigilancia de datos, la gobernanza de algoritmos y las interfaces tácticas. Sus prácticas combinan interfaces, electrónica, imágenes, instalaciones interactivas y robótica con diseño crítico, arqueología de los medios y humanidades digitales. Sus obras se han expuesto en eventos internacionales de arte electrónico, museos y galerías, entre los que se incluyen Ars Electronica, ZKM Center for Art and Media, Nam June Paik Museum, Media Art Biennale in Wroclaw o la Science Gallery Detroit entre otros.
¿Cuál fue tu participación en el festival?
He participado en la Theme exhibition con mi pieza F.U.C.K.- ID. Free Universal Cut Kit for Internet Dissidence, un dispositivo autónomo movido por corrientes marinas que es capaz de cortar cables submarinos de Internet. Está disponible en mi página web para su descarga gratuita en formato .STL, para su posterior impresión en 3D. F.U.C.K.- ID sirve como un concepto de diseño crítico para arrojar luz sobre los problemas de control y vigilancia. Visualiza los efectos sociopolíticos de la infraestructura física de Internet y devuelve a los usuarios la capacidad de decidir sobre sus datos y su privacidad. En esencia, F.U.C.K.-ID es un botón de parada de Internet. Además, para esta exhibición he extendido este proyecto con el mapa «The fall of the fiber optic control, power and paranoia» que muestra todos los cortes documentados que se han producido en los cables submarinos de Internet.
¿Qué pieza destacarías de esta edición?
La videoinstalación Void in Resonance (Jerónimo Reyes-Retana) que documenta un pueblo mexicano, sus costumbres y vidas como pescadores y cómo estas son alteradas por la empresa SpaceX que, al otro lado de la frontera, solo a cinco kilómetros de distancia, está construyendo y probando el cohete más grande nunca construido. El documental se centra en cómo las vibraciones y ruidos están afectando al ecosistema natural mexicano y por consecuencia a sus habitantes.
Domestic Data Streamers
Bio
Domestic Data Streamers es un colectivo creativo con sede en Barcelona que trabaja en la intersección entre datos, arte y narración. Fundado en 2013, combina diseño, investigación y tecnología para transformar información compleja en experiencias humanas que conecten con la emoción y la memoria colectiva. El equipo colabora con entidades culturales, científicas y sociales para generar espacios de reflexión compartida, siempre con el objetivo de traducir datos en historias que invitan a la participación y al debate colectivo.
¿Cuál fue vuestra participación en el festival?
En esta edición de Ars Electronica, Domestic Data Streamers presentamos varias memorias recogidas dentro del proyecto Memòries Sintètiques. La instalación quería poner el foco en dos pilotos que ejemplifican la capacidad de la tecnología para reconstruir y preservar historias personales y colectivas.
El primer piloto se desarrolló en Brasil, en el barrio de Bom Retiro de São Paulo, un espacio marcado por una fuerte presencia migratoria. Allí, el proyecto exploró las experiencias de personas migrantes, recogiendo fragmentos de sus vivencias para reconstruir una memoria histórica y colectiva del barrio. Esta iniciativa evidenció cómo los recuerdos individuales pueden convertirse en una poderosa herramienta para comprender el tejido social y cultural de una comunidad.
El segundo piloto se llevó a cabo en los Emiratos Árabes Unidos, con pacientes diagnosticados de Alzheimer o demencia. A través de la reconstrucción de memorias personales, la propuesta abrió nuevas vías para explorar cómo la tecnología puede contribuir a la recuperación de identidades fragmentadas y a la conexión emocional de las personas afectadas por enfermedades neurodegenerativas.
Además de las instalaciones, organizamos dos sesiones en vivo de reconstrucción de memorias con la participación de Christa Sommerer y Derrick de Kerckhove. Estos encuentros generaron un diálogo enriquecedor sobre la relación entre memoria, tecnología y creatividad.
Durante Ars Electronica 2025 recibimos una mención en los S+T+ARTS Prize y el Award for Digital Humanity 2025.
¿Qué pieza destacarías de esta edición?
Una obra especialmente interesante ha sido AI War Cloud Database, Tracing the Invisible Lines Between Devices and Drones (Sarah Ciston) que mapea las infraestructuras de la inteligencia artificial desde nuestros teléfonos hasta la industria de la guerra. Un trabajo que expone la cara menos visible de la IA y sus conexiones con la economía global y los conflictos bélicos.
Fernando Fernández
Bio
Apasionado por la investigación en la intersección entre arte, naturaleza y tecnología, desarrolla proyectos que combinan sonido, arte digital, instalaciones interactivas y realidades mixtas. Desde 2014 ha diseñado y coordinado iniciativas tecnológicas con organizaciones humanitarias en el Sahel y Oriente Medio, en países como Níger, Malí, Mauritania, Líbano o Palestina. En los últimos ocho años ha trabajado como formador y mentor en laboratorios de prototipado colaborativo en MediaLab Matadero, Teatros del Canal, Tabakalera (Donosti) y MolinoLab.
Es fundador de MolinoLab.org, laboratorio de creación y experimentación rural, y miembro activo de colectivos como LiveCodeMad, Interactivas MedialabPrado y Collective Mind. Sus últimos proyectos pueden consultarse en https://b1tdreamer.xyz.
¿Cuál fue tu participación en el festival?
Mi participación en Ars Electrónica 2025 se desarrolló en tres proyectos. Por un lado, colaboré en el montaje de Computational Compost, una obra de Marina Otero producida en Tabakalera (Donosti) en 2023. Este prototipo reflexiona sobre el elevado consumo energético de los centros de datos y explora cómo sus excedentes pueden aprovecharse para crear un entorno adecuado donde lombrices de tierra transforman materia orgánica en vermicompost. También participé junto a Santiago Morilla y Joaku de Sotavento en The Ritual Song of Fungal Humus, una pieza que convierte los impulsos eléctricos generados por hongos en paisajes sonoros generativos, abriendo nuevas posibilidades de diálogo entre organismos vivos y procesos creativos. El tercer eje de mi participación fue la presentación de Sinfonía biótica, interspecies creative ecosystems, una experiencia de realidad virtual que utiliza señales eléctricas de organismos vivos para generar una obra inmersiva generativa. Con este proyecto busco no solo dar a conocer la investigación, sino también conectar con personas interesadas, abrir vías de colaboración y establecer redes de trabajo. Además, Ars Electronica es una buena ocasión para visibilizar el trabajo de MolinoLab, el espacio de creación artística y cultural situado en el oeste de Salamanca, dentro de los circuitos internacionales de Europa Creativa, con el fin de encontrar partners y aliados para futuros desarrollos.
¿Qué pieza destacarías de esta edición?
Me es difícil elegir una favorita entre tantas piezas, pero a la que más tiempo dediqué fue Model Collapse (Tetem). Un proyecto de world building inmersivo que explora el paisaje oculto detrás de la IA generativa. Una serie de esculturas cibernéticas y reliquias interconectadas y un puesto de mando donde puedes investigar sobre el lore de este universo. Una reflexión sobre el papel de la IA en la extracción de recursos y datos.
Marc Vilanova
Bio
Marc Vilanova es un artista sonoro y visual afincado en Barcelona. Sus obras toman la forma de esculturas expandidas que generan un diálogo entre sonido, luz y movimiento. Mediante la experimentación tecnológica y material, su práctica se relaciona con la ecología acústica, el poshumanismo y los umbrales de la percepción. Sus entornos íntimos y sensoriales invitan a una escucha profunda como forma de conciencia ambiental, favoreciendo la sintonía con el mundo más-allá-de-lo-humano.
¿Cuál fue tu participación en el festival?
En esta edición de Ars Electronica 2025 tuve el privilegio de participar por segundo año consecutivo en la exposición temática del Bunker, que es la muestra central de Post City, sede neurálgica del festival.
En esta ocasión presenté Phonos, una escultura sonora formada por 208 altavoces reciclados, cada uno de ellos restaurado, despojado de su membrana original y reprogramado para recibir una frecuencia infrasonora única. Los infrasonidos, situados por debajo del umbral auditivo, son vibraciones que, a pesar de ser invisibles y a menudo ignoradas, modelan los ecosistemas y afectan al bienestar de humanos y más-que-humanos. Aunque todavía son un campo poco investigado y sin apenas regulación, estos sonidos de baja frecuencia constituyen una parte esencial del entorno acústico planetario.
La pieza explora esta dimensión inaudible a partir de la fragilidad mecánica de los propios altavoces. Al ser demasiado pequeños para proyectar estas frecuencias en el aire, los dispositivos muestran su esfuerzo físico: las bobinas vibran, las membranas se tensan y tiemblan, y los mecanismos chirrían. Un algoritmo inspirado en el comportamiento colectivo animal organiza estos movimientos en una polirritmia en constante transformación, un mosaico de temblores y zumbidos que nunca se repite exactamente igual. El resultado es una escultura que se percibe a la vez como monumental e íntima, una gran máquina que respira y palpita como un organismo vivo.
Pese a la escala monumental de la instalación, Phonos invita a acercarse a ella, a tener una experiencia íntima y una escucha atenta. La pieza genera un espacio compartido en el que el público puede sintonizar con estas vibraciones invisibles y tomar conciencia de las relaciones que establecemos con los mundos sonoros que nos rodean y sostienen. Se trata de una invitación a escuchar con el cuerpo, un ejercicio de empatía acústica que nos permite cuidar y reconocer la importancia de aquellos sonidos que, aunque inaudibles, configuran nuestra experiencia del mundo.
¿Qué pieza destacarías de esta edición?
Una de las obras que me llamó especialmente la atención fue tele-present wind (Mars wind version) de David Bowen, un campo de tallos secos de hierba sostenidos por dos motores que los mueven según los datos recogidos por el sensor de viento del róver Perseverance en Marte. Me impresionó la simplicidad, la delicadeza y la elegancia con la que transforma y visualiza estos datos. Fuera de las salas de exposiciones, el highlight del festival fue sin duda el directo de AMA de Maria Arnal, con una maravillosa puesta en escena.
Maria Arnal
Bio
Maria Arnal es cantante y compositora. Es una de las voces más reconocidas y rompedoras del panorama musical contemporáneo en España. Afincada en Barcelona, combina su faceta de creadora de canciones, que cruzan pop, electrónica y música tradicional polifónica, con proyectos que experimentan con el sonido, la tecnología y el arte.
Actualmente, investiga las posibilidades de los modelos de voz sintéticos generados con inteligencias artificiales como ganadora de la beca S+T+Arts, en un proyecto junto al Centro Nacional de Supercomputación, a la vez que ha estado componiendo su próximo álbum, el primero en solitario de larga duración.
¿Cuál fue tu participación en el festival?
Presenté AMA, una performance que fusiona voz, cuerpo e inteligencia artificial desde una perspectiva feminista. El proyecto reflexiona sobre la soberanía vocal y la separación entre el cuerpo y el sonido. Realizado en colaboración con centros de investigación y cinco bailarinas, usa voces sintéticas creadas a partir de mi propia voz que se modulan a través del movimiento, dando lugar a una expresión coral viva y en constante transformación. AMA es mi primer trabajo en solitario.
¿Qué pieza destacarías de esta edición?
Phonos de Marc Vilanova. De la pieza de Marc me encanta la tensión que existe entre su carácter escultórico, tan grande, abundante y maximalista, por decirlo de algún modo, y su capacidad sonora, física y mecánica, tan sutil y delicada. Me encanta que sea una pieza sonora que requiera mucho silencio para poder captar su sonido, y me gusta mucho esto desde el punto de vista de la composición musical. También me gusta mucho que todo el material sea reciclado, y ese límite, entre comillas, de desecho, que todavía conserva un uso, quizás ya muy viejo.
Mario Santamaría
Bio
Mario Santamaría es un artista afincado en Barcelona cuya obra se centra en la encarnación de protocolos computacionales, realizando acciones como viajar físicamente a su página web repitiendo el recorrido de los datos; ir de cervezas por la ciudad como un algoritmo de Google o fundar un operador turístico basado en la infraestructura física de Internet. Docente en la Universidad Elisava de Barcelona y comisario del Internet Yami-Ichi en el CCCB y Matadero Madrid. Su obra ha sido expuesta internacionalmente en centros como: ZKM Karlsruhe, WKV Stuttgart, MACBA Barcelona, CENART México, Arebyte Londres, Les Rencontres d’Arles y C/O Berlín.
¿Cuál fue tu participación en el festival?
Mi trabajo Emerald Black Latency ha sido nominado al S+T+ARTS Prize. El proyecto parte del sistema de cable submarino Medusa, una infraestructura de telecomunicaciones de cable de fibra óptica submarino de 8.700 km, prevista para 2026, diseñada para mejorar la conectividad en el Mediterráneo y conectar Europa con el norte de África. El proyecto toma como referencia un tramo de 7 km entre la costa de Sant Adrià del Besòs (Barcelona), donde se encuentra uno de los puntos de aterrizaje, y el mar Balear. Este segmento, documentado en informes oficiales, se reproduce en el mapa global de Google, incorporando imágenes generadas en estudio que se pueden ver en modo Street View. A través de este proceso, se crea un cruce entre la realidad y la ficción, simulando la experiencia imposible de caminar por un cable de fibra óptica, que puede tener menos de 1 mm de grosor.
¿Qué pieza destacarías de esta edición?
World at Stake de Total Refusal (Susanna Flock, Adrian Jonas Haim y Jona Kleinlein). Muy bien instalada en los subterráneos del edificio postal con tres pantallas de gran formato. Una pieza hipnótica sobre el espectáculo, la identidad y la catástrofe, que detona profundamente siniestra instalada en un contexto festivalero de grandes públicos.
Mónica Rikić
Bio
Mónica Rikić (Barcelona, 1986) es una artista electrónica cuya práctica se centra en la creación de objetos electrónicos y robots artesanales concebidos como herramientas para la reflexión crítica colectiva. Su obra se ha presentado en festivales y centros de referencia como Ars Electronica, la Bienal Manifesta, ISEA o Sónar, entre otros. Ha sido distinguida con el Premi Nacional de Cultura de Catalunya, y desde hace más de una década sus proyectos se exhiben en instituciones y festivales nacionales e internacionales.
¿Cuál fue tu participación en el festival?
Presenté un taller basado en la investigación que lleva a cabo con Somoure. En su taller/performance/charla utilizó el acto de dar de comer como metáfora para explorar cómo podemos convivir con la tecnología en el futuro. En lugar de cocinar la comida, la «receta» fue un robot diseñado para dar de comer y que construimos conjuntamente con los asistentes al taller. Los participantes debatieron conjuntamente cómo debía ser esta herramienta. El espacio estaba montado como si de una cocina se tratase, con herramientas de cocina mezcladas con componentes electrónicos. El grupo de participantes dio vida al proceso mediante sus conversaciones y decisiones en torno al prototipado.
¿Qué pieza destacarías de esta edición?
Requiem for an exit (Thomas Kvam y Frode Oldereid), ganadora del reputado Golden Nica en Expanded Animation. «Me fascina tanto por su temática como por el impacto que genera en el espectador esta cabeza enorme, robotizada y con una proyección de un rostro que habla. Me gusta la manera en que aborda la crítica del tiempo presente en su discurso. La transformación y la presencia mecánica me resuenan profundamente, pues conectan con los intereses de mi propia práctica artística».
Playmodes
Bio
Playmodes es un tándem de artesanos digitales. Santi Vilanova y Eloi Maduell, formados en el campo del diseño gráfico, la composición musical y la ingeniería informática, conciben obras en el cruce entre el arte, la ciencia y la investigación audiovisual. Todos sus proyectos se desarrollan mediante tecnologías de factura propia y adoptan la forma de instalaciones inmersivas de luz y sonido, de obra pictórica, de dispositivos escultóricos, de artilugios cinéticos, de escenografías o de conciertos multimedia que exploran un universo abstracto de música visual. Inspirados por los fenómenos naturales, la investigación científica, la literatura, el arte abstracto, la animación experimental o la música contemporánea, desarrollan piezas abstractas que, desde múltiples perspectivas, consolidan la percepción del espacio, la luz, el sonido y el tiempo.
¿Cuál fue vuestra participación en el festival?
Nuestro proyecto ASTRES: Mapping the Firmament ha sido nominado al S+T+ARTS Prize.
ASTRES es una experiencia inmersiva que busca recuperar el patrimonio universal del firmamento y concienciar sobre la pérdida progresiva del cielo nocturno en las ciudades contemporáneas. Mediante el uso innovador de proyección láser y de audio, y la visualización y sonificación de datos astronómicos, el proyecto no solo reivindica la belleza y el misterio del cosmos, sino que también invita a redescubrir una antigua forma de mirar las estrellas.
A partir de un widget técnico de mapeo estelar, creamos espectáculos en los que el lienzo base son las coordenadas de los puntos que definen las estrellas. A partir de este lienzo, creamos nuevas constelaciones aleatorias, y utilizando técnicas de sonificación de datos, transformamos el firmamento nocturno en una partitura audiovisual, en la que se le asigna una nota musical y un comportamiento visual a cada estrella.
¿Qué pieza destacarías de esta edición?
ON AIR (Peter van Haaften, Michael Montanaro y Garnet Willis) que es una instalación interactiva de arte sonoro que recoge voces y genera modulaciones sonoras a través de una serie de esculturas cinéticas llenas de fantasía. La obra culmina en una armonía coral de espejos, que se transforma en una performance de sonido, ritmo y luz.
La obra destaca por el sofisticado uso de sistemas de captura y procesamiento de voz en tiempo real. Las voces del público son grabadas y moduladas mediante algoritmos de síntesis y transformación sonora, que se traducen en variaciones acústicas sincronizadas con el movimiento mecánico de las esculturas. Estos elementos cinéticos, equipados con sensores y microcontroladores, reaccionan a los datos sonoros y lumínicos generando un entorno inmersivo en el que el sonido, la luz y el movimiento forman un único lenguaje.
Yolanda Uriz
Bio
Creyendo que la imaginación es una de nuestras mejores herramientas para afrontar la policrisis actual, Yolanda Uriz trabaja con olor, sonido y tecnología digital, investigando la comunicación química interespecie y el potencial del lenguaje olfativo para relacionarnos con lo no humano. Su práctica se materializa en entornos peculiares e instalaciones interdisciplinares que incitan a ampliar subjetividades, y ha sido presentada en festivales como ISEA, Ars Electronica, Eufònic, Sonar+D, Wroclaw Biennale o Sonic Acts, entre otros.
Es miembro fundador del colectivo iii (instrument inventors initiative, Países Bajos), con el que colabora de forma regular.
¿Cuál fue tu participación en el festival?
Chemical Calls of Care II (2025) es una instalación multidisciplinar que explora la posibilidad de la comunicación audio-olfativa con las plantas mediante un sistema tecnológico especulativo, con el objetivo de construir relaciones horizontales con la biosfera. Invita al público a participar en la comunicación química, un lenguaje no verbal que no comprendemos del todo. La obra emplea tubos flexibles y ventiladores para transmitir mensajes químicos de las plantas a los seres humanos y, a la inversa, permite a los visitantes enviar mensajes olfativos a las plantas utilizando elementos que promueven su bienestar. A su vez, cuenta con sensores de gas que captan los datos atmosféricos y los traducen en sonidos hápticos, facilitando su comprensión por parte de los seres humanos.
En un momento marcado por crisis geopolíticas y ecológicas y sociales, Chemical Calls of Care II responde al tema del festival «PANIC – yes/no» (PÁNICO – sí/no) proponiendo el cuidado como alternativa radical al pánico, fomentando el cuidado mutuo a través de un lenguaje horizontal e interespecie basado en la reciprocidad y la empatía con el entorno natural.
Presentada y adquirida por la New Art Foundation, Chemical Calls of Care II es la segunda versión del proyecto, cuya primera versión se presentó en el festival Schemerlicht (Países Bajos) 2024, comisariada por Siuli Ko.
¿Qué pieza destacarías de esta edición?
Fluid Anatomy (Ioana Vreme Moser), recupera los experimentos de computación analógica con fluidos de mediados del siglo XX, desplazados por la electrónica y los materiales que han perdurado hasta nuestros días. Presenta un sistema obsoleto pero funcional, en el que una red de tubos y cavidades transparentes de formas orgánicas hace visibles operaciones de cálculo. Me atrapó su poesía, me recordó a un sistema biológico como puede ser el fluir de la sangre en los mamíferos o la savia en las plantas, desdibujando los límites entre lo orgánico y lo tecnológico. Me resulta interesante que, al mismo tiempo que rescata un capítulo olvidado de la historia de la computación analógica, propone maneras diferentes de imaginar otras formas de tecnología.
Algunas reflexiones finales
En conjunto, las opiniones recogidas coinciden en señalar a Ars Electronica como un espacio de encuentro, en el que se establecen y reactivan vínculos profesionales y personales que fortalecen una comunidad internacional en torno al arte, la tecnología y la reflexión crítica sobre el futuro. El festival se percibe como un ámbito de inspiración, intercambio y nutrición intelectual, capaz de propiciar colaboraciones y debates que trascienden su duración temporal. No obstante, también se señala la magnitud del evento, cuya amplitud puede resultar abrumadora, y se plantea una reflexión crítica sobre las condiciones estructurales que sustentan este tipo de eventos. Se subraya la importancia de promover prácticas culturales más equitativas y modelos de remuneración justos, en coherencia con los valores de sostenibilidad y cuidado que festivales críticos de este tipo buscan representar.
No quisiéramos terminar el artículo sin reiterar nuestro más sincero agradecimiento a los artistas nacionales con proyección internacional que han participado en esta conversación a varias voces. Esperamos veros el año que viene 🙂.
Cita recomendada: BERGA-CARRERAS, Quelic; BLASCO-SOPLON, Laia; VILÀ, Irma; MOR, Enric. Ecos del Ars Electronica 2025. Mosaic [en línea], noviembre 2025, no. 205. ISSN: 1696-3296. DOI: https://doi.org/10.7238/m.n205.2513
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